jueves, 2 de diciembre de 2010

CUMBIA CUMBIA VOL.2




El Milagro Verde cumple un año y se lo celebra con este rico disco de cumbia colombiana de la propia. Entre ellas nos encontramos con agrupaciones ya conocidas por los escuchas del Milagro como: Pedro Laza y sus Pelayeros, La Sonora Cienaguera, Los Corraleros de Majagual, Sonora dinamita y más de la vieja escuela para gozar! Temas como Lupita, Cumbia en do menor, La Samaria vienen metidos en esta pastillita de sabor ideal para lo que se viene con el calor...

Temas:


1. Pedro Laza Y Sus Pelayeros - Cumbia Del Monte
2. Cumbia Los Galleros - Soleded
3. Lso Guacharacos - Baila Rosita
4. Guillermo Gonzalez Y Orquesta - Lupita
5. Los Carraleros De Majagual - Llora Acordeon
6. La Sonora Del Caribe - Noche De Estrellas
7. Los Cumbiamberos De Pacheco - Santo Domingo
8. Sonora Dinamita - Ritmo De Tambo
9. Los Satelites - Ocaso Marino
10. Lito Barrientos - Cumbia En Do Menor
11. Andres Landero - Cumbia India
12. Combo Los Galleros - Tabaco Mascao
13. Los Corraleros De Majagual - Cumbia Campesina
14. Climaco Sarmiento Y Orquesta - Cumbia Sabrosa
15. Monteria Swing - La Samaria
16. Los Guacharacos - Esperma Y Ron
17. Los Gavilanes De La Costa - Lso Gavilanes
18. Sonora Cienaguera - La Piojosa






domingo, 19 de septiembre de 2010

EL SEXTETO TABALÁ (1998)


Lucas Silva es un cineasta, músico y productor nacido en Colombia, que vive actualmente en Francia. Hace más de 15 años que se dedica a la investigación y promoción de la música afro-colombiana, plasmando su trabajo en el sello Palenque Records. No sólo fue la primera casa de discos en editar a Las Alegres Ambulancias y El Sexteto Tabalá (pilares de la música negra colombiana), sino que fue pionera en la compilación de un álbum enteramente dedicado a la champeta, música tan marginal como infecciosamente bailable, con influencias del soukous y otros ritmos africanos. De la distribución de estos discos se encargan generalmente los sellos franceses Ocora (fundada por Pierre Schaeffer! y la Radio Francaise) y Buda (que también ha editado cosas interesantes sobre el candombe, a cargo de la genial Mirtha Pozzi). Su última antología, llamada "Palenque Palenque: Champeta Criolla and Afro Roots from Colombia (1975-1991)" la hizo en colaboración con el dueño de Soundway, prestigioso sello londinense que se especializa en "músicas del mundo" (puaj!)
Sin más, la introducción es un llamado de atención para los que no conocen a este señor, que viene instigando al primer mundo con música de negro ecarté y pobre, y ha conseguido sorprendentes resultados .

El Sexteto Tabalá, grupo oruindo de Palenque de San Basilio (ciudad cual hablaremos con más profundidad en el próximo post) existe desde principios de los años 30 y su música resulta, hasta el día de hoy, desconocida para la mayoría de los colombianos, salvo en las comunidades negras de los palenques y la costa atlántica. Es por esto, y por la falta de interés de parte de la industria discográfica, que su primera grabación data de 1996, a cargo del mencionado Luis Silva y Sergio Arrio. Este es el disco que subimos hoy al Milagro.
Máximo exponente actual del "son palenquero", el Sexteto funde una extraña mezcla de ritmos soneros de Cuba con instrumentación típica del Pacífico colombiano, desprendiendo un sonido crudo y expresivo. Silva escribió un texto, para otra de sus producciones, que describe muy bien el origen de este sonido:
"La historia del Son en Colombia empieza con la implantación de los primeros ingenios azucareros, a principios de siglo, en la costa atlántica. Todo comienza en 1924, cuando el Ingenio "Central Colombia" es construido en terrenos cerca a Palenque. Entre los ingenieros encargados de supervisar el trabajo, habían algunos cubanos que se reunían por la noche alrededor de una botella de ron y una guitarra para tocar la música a la moda en Cuba; Son montuno, danzón, guajiras...
Así lo cuenta José Valdez "Panamá", palenquero y cantante del Sexteto "Monasito' di Benkos": "Los cubanos trajeron la musica del Sexteto Habanero, de Miguelito Valdez... Y eran hombres muy alegres, tocaban música todo el tiempo, tenían el arte del Son. Los palenqueros se entusiasmaron tanto con ese Son que luego ellos mismos hicieron sus instrumentos y crearon un grupo musical".
Más infromación sobre el origen y desarrollo del son palenquero se puede encontrar acá.

No es difícil reconocer la pureza espontánea y el primitivismo transmitido por el grupo, basados en una percusión "casera" y voces tenores de obreros agrícolas como único recurso. En contraste con el son cubano, -que fue evolucionando a través de los años al incorporar instrumentos armónicos-, el sonido de palenque se mantiene hasta el día de hoy fiel a sus principios:
"Nosotros tocamos con tambores, bongos, maracas, güiro, clave y marímbula (instrumento de origen africano equivalente al contrabajo [o la marímba]). No necesitamos guitarra ni trompeta, lo nuestro es son puro de verdad verdad, pa’hombres duros!! Así como era el changui cubano en Guantánamo, por allá a principios de siglo".
A esta aparente aspereza sonora, hay que sumarle el hecho que la grabación, si bien es técnicamente perfecta , provoca un sentimiento íntimo. En pocas palabras, nos sentimos en el centro del sexteto, empapados en ron.

La concepción musical de este grupo tiene mucho más que ver con la función que cumple la música en el continente africano, que con el sentido capitalista que se le otorga en el occidente (siendo este el que se aplica en Colombia). La música en esa zona, así como la de los Tabalá (que quiere decir "Tambores de la Muerte"), cumplía una función específica, acompañar con su sonido eventos especiales del pueblo. Desde un principio, los primeros sextetos (ej. Sexteto Habanero de Palenque, Sexteto Matantera) tocaban en los Cabildos, en fiestas y en rituales Lumbalú (cantos funerarios para los difuntos). Es en tales ceremonias donde se comienzan a mezclar los sonidos del son cubano, traído por los obreros del complejo azucarero, con los afrocolombianos que se escuchaban desde siglos atrás. El son palenquero ha estado ligado desde sus raíces al contexto místicoreligioso de la música de San Basilio y alrededores.
Existe un vínculo directo entre este hecho, y la fijación temática (la muerte y el amor) que tiene el Sexteto en sus canciones. A ésta se la concibe, naturalmente, como un hecho inevitable, pero es a su vez motivo de gran fiesta (9 días de funeral festivo) y música, creada especialemente para la ceremonia y el entierro. "Clavo y Martillo" es la primera canción del disco y es un viejo son fúnebre, -compuesto por el Sexteto Matantera-, que habla del clavo y el martillo utilizado para el ataúd del difunto. Al parecer, había sólo un ataúd en Palenque, usado para todos los entierros, que se clavaba y desclavaba con cada muerte. La reflexiva "La vida es muy bonita pero siempre se acaba", así como "Mercedes" y "En las Orillas de un Río", son también sones fúnebres, con frases explícitas que evocan a la muerte.
Pero no todo es de tinte lúgubre en Palenque, (aunque la visión de una vida dramática y nostálgica sí es lo que predomina en el disco), el resto de las canciones hablan de amores y desamores, tales como "Negra del Alma", "Ina", "Narcisa" (Adios Narcisa / Me llevo a la niña y no vuelvo más/ Adios Narcisa / Que yo me voy/ Hay tengo un dolor / En mi corazón"),"Micaria", "Salomé". Las excepciones a esta regla son la canción "Esta tierra no es mía", un viejo son cubano que en este caso fue adaptado a la situación laboral de Palenque. Se critica también a la reforma agraria y la azucarera "Santa Cruz", que formaba parte de la Central Colombia. "La Sombra Negra" habla de la mojana, mujer hechicera que vive en los ríos alrededor de Palenque. Seduce a la gente y se los lleva al fondo del mar a comer alimento sin sal. Las víctimas pierden el uso de la razón y la memoria a su regreso.

Lucas Silva editó otro disco del mismo Sexteto, en Buda Records (disponible en el sitio del sello).
A Gozar esta joya desde lo más profundo de los matorrales colombianos.

Atención al próximo post, dedicado a Palenque de San Basilio, la primera ciudad libre de toda América!

Rip de un CD, mp3 a 320 kbps


Información y Créditos:

El Sexteto Tabalá es:

Rafael Cassiani (voz principal y claves), José Valdez Teheran "paito" (2da voz), José Valdez Simanca, "Simancongo" (marímbula), Cayetano Blanco (bongo), Bartolo Cañate (maracas), Jose Torres Valdez (guacharaca), Manuel Valdez Cañate (timba) y Emiliano Herrera (2da marímbula)

Grabado por Lucas Silva y Sergio Arria en el sector de Cho Pacho, barrio abajo de Palenque, el 24 de setiembre de 1996. La edición a cargo de Phillipe Malidin, y el texto de presentación de Lucas Silva, Sergio Arria y Marion Provansal.


Si les gusta compren el disco!, que la guita va pa los palenqueros...

Escuchá!

jueves, 2 de septiembre de 2010

PEDRO LAZA Y SUS PELAYEROS - PORRO - 1974





Autor del jitazo "Navidad Negra" (véase Cumbias de Oro de Colombia), de origen colombiano, más precisamente de Cartagena de Indias, Pedro Laza nace en 1904 y comienza sus estudios de contrabajo con Francisco Lorduy, Director y fundador de la afamada Jazz Band Lorduy. En 1945 junto a otros músicos de la Sabana funda "Pedro Laza y sus Pelayeros"... Parte de sus músicos ya tenían algo de fama en la costa, sobre todo en San Pelayo, a esto se le debe el nombre de Pelayeros. Esto no quiere decir que la agrupación sea de San Pelayo, en si, todo lo contrario, el porro de San Pelayo no es el mismo que el "Porro Tapao" de la Sabana. Pedro Laza y sus Pelayeros es la primer agrupación que lleva este ritmo a los grandes salones, como los clubes Cartagena y San Fernando, donde el porro era visto como música de segunda.



El porro se da en la costa y en la sabana, con sus dos nombres diferenciados "Palitiao" para la costa y "Tapao" para la sabana pero su origen sigue sin definirse; varias versiones rodean al porro...

Una de las versiones es que su origen se da en la época precolombina en un principio ejecutado con gaitas indígenas y luego enriquecido con la llegada de los ritmos e instrumentos africanos. En esta versión su última etapa se da con la llegada de instrumentos de viento de la mano de las bandas militares europeas. Entre ellas la trompeta, tuba, trombón, clarinete, bombardino... Instrumentos que integran el porro actual.

Otra de las voces dice que su afluencia deriva principalmente de los ritmos Yorubas, que en el Sinú y en San Jorge dieron origen al baile cantado que se ejecutaba con tambores, voces y palmas. Estilo musical austero propio de las culturas africanas introducidas a lo largo de las costa de América.


Lo más aceptado en el presente es que el Porro nace en la costa, en San Pelayo y de allí migra por las poblaciones sabaneras hasta llegar al Sinú. Las ciudades de San Marcos del Carata, Ciénaga de Oro, Magdalena, Carmen del Bolivar, Corozal de Sucre, Momil y San Antero de Córdoba reclaman los derechos de paternidad de dicho ritmo.

También existen dos versiones sobre el nombre del ritmo. Una dice que se lo llama de tal forma porque así se llama al palo que percute el bombo y a su acción de ejecutarlo... porrazo. La otra versión sostiene que el nombre deriva de uno de los tambores que forma parte del instrumentado el cual se le llama Porro o Porrito.

Sea cual sea su origen el Porro está de fiesta, ejecutado en 2/4 o en 4/4 partido, este no decae. La base dada por el bajo, la güira y el bombo no paran nunca mientras los vientos en sus varios disfraces tiran para arriba tal cadencia que resulta imparable. A lo largo de todo el disco se puede apreciar el aire fiestero y alegreque trae consigo como lo dice en "El Sabanero" "...me gusta la parranda, me gusta el trago..." "...si me tocan un porro me alegra el alma este alegre son... Esto queda claro en temas como "La Batea" con tremenda letra y alto ritmo, "La cosecha de mujeres", "La Cebua", "El Sabanero"... Sin más...se sube al Milagro alta pieza...


01 - El Sabanero
02 - Ja ja Venao
03 - La Cébua
04 - El Catabre
05 - El Chicharro
06 - El Cachureto
07 - La Cosecha de Mujeres
08 - La Batea
09 - El Garrapato
10 - El Ciento Veinte
11 - Remolino
12 - Cachucha Vacana

mp3 bitrate 320 Kbps

miércoles, 28 de julio de 2010

OUR LATIN THING (NUESTRA COSA) FANIA ALL STAR - 1971



En agosto de 1971 se presentan por primera vez en el Cheetah neoyorkino los artistas de la Fania, la cual sería la primera vez que se juntan como "Estrellas de Fania". Jerry Masucci, productor y capo del sello le encarga a Leon Gast, fotógrafo y documentalista estadounidense, más reconodico por su película "When We Were Kings", que filme dicho acontecimiento.

Gast filma los ensayos y la presentación del 26 de agosto. Pero a su vez decide pasearse por Harlem y filmar escenas del barrio. De esta manera, con cámara al hombro nos introduce en la cuna de los salseros.

El documental comienza con la secuencia de un niño que nos lleva por los recovecos del barrio hasta un baldío en donde más niños sentados en un andamio tocan latas y tambores. De las manos de los niños tocando pasamos a las de Ray Barreto ensayando con la banda en el Cheetah, en donde toca la banda y una pareja baila. Gast graba los temas en ensayo, grabación y toque; de esta manera salta en tiempo/lugar sobre el mismo tema, como por ejemplo en "Anacaona" de Cheo Feliciano, en donde las imágenes y el audio saltan del estudio de grabación a la noche del Cheetah y de ahí hacía el estudio nuevamente. De esta manera la película nos muestra como grababa la Fania en esa época.

En lo referente a la vida en el barrio como ya lo habíamos dicho, pasea por las calles como un transeúnte más, tomando un centenar de caras, situaciones y logrando mezclarse en escenas típicas del lugar como las peleas de gallos, la detención de un policía a un delincuente y un ritual de santería. Podríamos hablar entonces de un híbrido entre un documental musical y el retrato del lugar en donde se desarrolla esa corriente musical.

La película en su conjunto hace eso, se traslada del toque a la calle y de la calle al toque, salvo en la "Fiesta de Cuadra" en donde el toque es en la calle. Esto hace que la película adquiera un nivel etnológico más importante del que tendría si solo hubiera retratado la noche de la presentación en Cheetah. El ritual de santería por ejemplo, remarca la influencia afro-latina en esta música dejándonos en claro cuales son las raíces y cuales son los resultados de dicha influencia cultural. Como bien sabemos al barrio latino de Nueva York se compone mayormente por centroamericanos. En estas zonas fue donde se hospedó Chano Pozo, cuando se muda a Nueva York en busca de éxito, este es también el barrio en donde nace Ray Barreto, a donde Hector Lavoe se escapa a los 16...

Joya fundamental que nos sirve para entender la Salsa como fenómeno de mezclas de ritmos afro-latinos y que nos lleva por temas emblemáticos del género. Como por ejemplo "Anacaona" de Cheo Feliciano, para mí uno de los mejores temas que escuché... "Cocinando Suave" de Barreto... alto tema... "Ponte Duro" de Roberto Roena y Su Apolo Sound... "Abran Paso" de Ismael Miranda y la Orquesta Harlow... Todos temas que saben ponerte la piel de gallina y la sangre caliente.

Con la participación de Bobby Cruz, Adalberto Santiago, Hector Lavoe, Ismael Miranda, Cheo Feliciano, El Conde "Pete" Rodriguez, Larry Harlow, Roberto Roena, Ray Barreto, Johnny Pacheco, Willie Colón(El Malo) entre otros y el barrio de habla hispana, hacen de esta película un elemento esencial para quién sigue de cerca a la Salsa o para quién está interesado en seguirla...

"Nuestra Cosa".... el primer largometraje del Milagro.

Temas

01 - Cocinando Suave
02 - Quítate Tú
03 - Anacaona
04 - Ponte Duro
05 - Abran Paso
06 - Lamento De Un Guajiro
07 - Descarga Fania
08 - Bembé
09 - Ahora Vengo Yo
10 - Estrellas de Fania



Formato: AVI
Codec: Xvid
Bit rate: 900 Kbps
Calidad: VHSRip
Tamaño: 609 Mb

miércoles, 21 de julio de 2010

TATA GÜINES- ANIVERSARIO - 1995





"Tata" Güines, mantenía sus propias congas. Las pintaba, las reparaba, les cambiaba el cuero. En su opinión, la mejor piel era la de caballo, aunque en sus últimos días había cubierto un tambor con piel de buey y el otro de vaca. "El macho y la hembra, son unas tumbadoras románticas, no?"- exclamaba Güines. El cuerpo de sus emblemáticas congas lo habían construído los famosos Bergara, con roble curado de toneles de viñedo español.
A este nivel de detalle llegaba Federico Aristides Soto Alejoà cuando se trataba de su instrumento. "El Rey de las Congas" o "Manos de Oro", nació en Güines (ciudad que le da su apellido), en la provinicia de Matanzas, Cuba, un 18 de junio de 1930. Proveniente de una familia trabajadora y de músicos, se acerca con 13 años a la música como percusionista y contrabajista de los "Ases del Ritmo" (dirigida por Dionisio Martínez) y del "Sexteto Partagas" (donde su padre era instrumentista). A su vez, alterna esta actividad con trabajos manuales como zapatero y limpiabotas, oficios que le valieron de habilidades para fabricarse sus propios bongós con una lata de chorizos y otra de leche condensada. Su referente en la percusión era Chano Pozo. Güines seguía todas sus apariciones en la radio cubana. Lo conocerá años más tarde en un café de la capital.
Antes de partir a la Habana para dedicarse profesionalmente a la música, participa en la orquesta del gran Arsenio Rodríguez, también oriundo de Matanzas. En 1952 ya es un tumbador de tiempo completo, trabajando en diversas orquestas habaneras, aunque la paga para el tamborilero era muy mala. Sobre el asunto, Tata comenta: "—Discriminaban a los tamboreros. Algunos directores nos pagaban menos. ¡Era lo último! Y me dije «voy a darle prestigio al instrumento». ¡Así lo dije! Siempre consideré que la misma importancia tenía en la orquesta un violín, un piano o una tumbadora. Todo requiere su arte. . . Además, sin percusión no hay ritmo y sin éste, ¿dónde está la música cubana? ". A pesar de los bajos salarios, su situación económico-artística cambia drásticamente cuando es invitado al "Conjunto Camacho" y comparte escenario con Mongo Santamaría, mientras que participa en algunas grabaciones musicales, como el hoy mítico LP Descargas Cubanas de 1957, bajo la dirección del reconocido "Cachao" López. Desde ese momento, todo va cuesta arriba. Gira exitosamente por América Latina y viaja a Nueva York en 1957, donde conquista sus mayores triunfos. Toca en el Palladium Ballroom de Broadway con la Orquesta de Fajardo y sus Estrellas, conoce y se une a Beny Moré, respaldado por Machito y sus Afro Cubans. No obstante, es su actuación solista en el Waldorf Astoria la que provoca furor en la ciudad. Cantando y tocando cinco congas, cautiva al público blanco y pudiente. Güines recuerda esa noche y su vida en aquella ciudad: " (...) En ese hotel no entraban los «musulungos». . . ¡De eso nada! Todos eran ricos. No niego lo raro que me sentí al comienzo como solista. Entonces puse cinco tumbadoras con la intensión de ambientar aquello, con distintas afinaciones. Por supuesto, a mí no me hacen falta tantas, pues sólo con dos saco el sonido de cinco. El asunto es saber combinarlos. (...) Ahora bien, en el Waldorf la fama duraba hasta el escenario. Después como decían en los letreros: «no color», «no dogs». Me pagaban bien. Tenía carro y todo. Pero nunca me adapté a esa vida. No era felíz. Y no aprendí ni tres palabras en inglés. Vivía en el Pasia, un hotel para negros en Manhattan y; a menudo comía en el restaurante El Prado. Iba a Harlem atravesando el Parque Central. Ese era el Birdland o en el Metropolitan, al terminar cada uno su trabajo, por las madrugadas, nos encontrábamos para descargar. Iba [Dizzy] Gillespie, Maynard, Chico Halmiton, entre otros. Siempre anduve rodeado de músicos de jazz (...)" Al mismo tiempo que gana buen dinero y descarga con celebridades del jazz norteamericano , Tata muestra una preocupación por su tierra natal al recaudar fondos para la revolución que allí se avecinaba . Las acciones de Castro y el ejército revolucionario dividió a los músicos de la isla, muchos optando por quedarse en los E.E.U.U., aunque Güines decide volver a Cuba. Lo que pierde en cuestión económica, lo gana en reconocimiento internacional y local en las décadas del sesenta y el setenta, girando por latinoamérica y Europa del Este (los países que tenían buena relación con el gobierno cubano) y formando"Los Tatagüinitos", grupo en el cual puede demostrar sus dotes como compositor. Por otro lado, es de los primeros artistas en grabar para la EGREM , compañía discográfica fundada en 1964 luego de la revolución.

Su primer disco solista, es el nuevo post del Milagro. Aniversario (CD 0156), fue grabado en 1995 en los estudios EGREM. No fue en vano todo el tiempo que le llevó a Güines grabar un álbum como director musical. En el disco, - compuesto íntegramente por ritmos afroantillanos, tales como la rumba y sus diversificaciones mencionadas anteriormente, columbia, guagancó, yambú-escuchamos la experiencia y la particularmente veloz técnica (basada en un método poco vistoso pero efectivo de mantener las manos muy cerca de la lonja) de Tata. La sonoridad que predomina, típico de las grabaciones que giran en torno a la religión lucumí, es aquella de los tambores batá, las congas , los cencerros, los "palitos" y la cabassa de semillas. Acompañada de una voz solista, coros y con apariciones esporádicas del clásico tres cubano, el disco mantiene esa austeridad sonora que se complementa con la tejida complejidad de la cadencia cubana. En cuanto a la temática del disco, se centra principalmente en la cultura de la isla caribeña, hablando de la instrumentación rumbera, de la ínsula y su campo (propio de los sub géneros yambú y columbia, que provienen del interior del país), del propio Tata, y teniendo muy presente la muerte con el "Homenaje a Chano Pozo" y al rumbero Calixto Callava. El comienzo del disco, "Con tres tambores batá", -que tiene a Güines luciéndose en el batá-, el alegre y enlentecido "Yambú", la reversión del original de Chano "Blem, Blem, Belm", la enérgica pero reflexiva "La Jeringoza" son las más destacables en este firme disco de principio a fin.

Tata Güines murió en la Habana el 4 de febrero de 2008, luego de sesenta años de carrera musical.
Versión mp3 256 kbps vía (latinjazzoteca.blogspot.com)
A Gozar!


Fuentes Biográficas:

domingo, 20 de junio de 2010

RAY BARRETTO - CHARANGA MODERNA - 1962



"Manos Duras" nace el 29 de abril de 1929 en el barrio latino de Nueva York, fruto de una pareja puertorriqueña. De todas formas su interés musical no nace en su barrio sino en Alemania mientras realizaba su tarea de adolescente militar estadounidense (esto no quiere decir que su barrio no haya influenciado). Estando ahí enloquece al conocer el Cu-Bop, resultado de la suma Pozo y Gillespie. Sobre todo por "Manteca" himno del Cu-Bop que estaba de moda en Europa. De vuelta en Nueva York integra La Orquesta de José Curbelo y al poco tiempo pasa a integrar La Orquesta de Tito Puente como suplente de Mongo Santamaría. No es poca cosa formar parte de la banda de Puente, pero menos lo es suplantar a Santamaría. Esto hace que su nombre se empiece a conocer en el ambiente.

En 1961 graba al mando de Puente "Dancemania" y abandona la banda para comenzar su carrera solista con el sello Riverside. Con este lanza "Barretto Para Bailar" en 1961, "Pachanga with Barretto" y "Latino!" en 1962. Este mismo año graba con el sello Tico "Charanga Moderna", cuarto disco que surge de dos pasiones de Barreto; pachanga y chácháchá. En Charanga Moderna "El Watusi" es quién se gana todos los aplausos, inclusive un disco de oro, el primero de Barretto. Tema en donde Barreto bardea a ese mulato que mide 7 pies y pesa 169 libras....

Para este disco, Barretto decide instrumentarlo como las Charangas Tradicionales sumándole sabor. Sabor que empieza a tener gusto a salsa en temas como "Ritmo Sabroso", "Aprieta el Pollo", "Suelta La Cintura"... También lo tiene en las baladas al estilo sexteto como "Deuda", "Nuestras Vidas", "El Camino" que llevan un ritmo gozado, con el piano y el contrabajo siempre firme mientras el violín y la flauta dan vueltas completando la sonora....

01 - La Moderna
02 - Aprieta el Pollo
03 - Deuda
04 - Ritmo Sabroso
05 - Suelta la Cintura
06 - El Watusi
07 - Guajira y Tambó
08 - Teresita
09 - Nuestras Vidas
10 - Los Pollitos
11 - El Camino
12 - La Múcura

viernes, 11 de junio de 2010

SILVESTRE MÉNDEZ- ORIZA (1958)




Compositor, cantante, percusionista, bailarín y actor son algunas de las actividades artísticas que realizaba Silvestre Méndez, referente poco conocido de la cultura cubana.
Otro artista de la isla que nace en el barrio de Jesús María, La Habana -31 de diciembre de 1926-, se especializa en la música y el baile de la rumba. Cursa primaria y secundaria en la ciudad, hasta que en 1937 ingresa a la Escuela de Artes y Oficios. Mientras estudia, se abre camino entre los solares y barrios habaneros para ganarse un nombre entre los músicos más respetados. En 1942 conoce y se hace amigo de Chano Pozo.

Historia ya conocida en este blog, Silvestre decide partir de Cuba para buscar nuevas oportunidades. Es por eso que viaja a México en 1946 junto a Mongo Santamaría y a su medio hermano, Justi Barretto. Se hospeda en la capital, en un hotel cercano a las emisoras XEW, XEQ y XEB. Esa misma tarde se encuentra con un nuevo vecino que grita incesantemente su nombre desde lejos. Resulta ser nada más y nada menos que el cantante y actor Kiko Mendive, que luego cantaría "El telefonito", una de las célebres composiciones de Méndez. Mendive también fue clave para el desarrollo del mambo, al contratar a Pérez Prado para que arregle sus canciones y convencerlo a probar suerte en el país de los mayas.
Es en México donde Silvestre Méndez logra sus mayores éxitos. Ahí se queda hasta el día de su muerte, con la excepción de breves viajes hacia Nueva York, y algunos países de Sudamérica.
A la par de su carrera musical, aunque con relación directa a ésta, se vuelca hacia el mundo del baile. Sus pasos se aprecian en algunos filmes de Juan Orol, o en películas como "El Ritmo del Caribe" .Teniendo claro que el registro musical no era la única actividad del cubano, Silvestre actúa en más de cientocincuenta!?! películas como balarín, cantante o tumbero. Paradójicamente, esto coincide con el esplendor del cine mejicano, y lo lleva a trabajar junto a estrellas como "Tongolele", María Antonieta Pon o Meche Bárbara.

Silvestre se nacionaliza en Méjico y fallece en el año 1997. Varias de sus canciones fueron interpretadas por Tito Rodríguez, Panchito Rizet, Tito Puente, El septeto Nacional de Ignacio Piñeiro, Celia Cruz y la Sonora Matancera o Lobo y Melón.

El disco que subimos es su LP más difundido, en el cual S. M. inicia el género conocido como "ORIZA". Grabado en Nueva York en 1958 para el sello canadiense SEECO (Seeco 59820), - dirigido por el joyero Sidney Siegel, que se especializa en la música de Argentina, Méjico, Cuba y Puerto Rico hasta su cierre a mediados de los 60-, es una original mezcla de diferentes vertientes de la rumba con sonoridades latinas muy voga en los discos noretamericanos de la época . La coalición inevitable entre una reverberación espaciosa típica de estudio neoyorquino con el sentimiento orgánico, nocturno y quilombero de la instrumentación rumbera hacen de "Oriza" un registro único para su época. La profunda voz de Silvestre Méndez nos cuenta sobre el baile, los tambores y la religión, alternando entre el español y los dialéctos yorubas.
El LP se sucede entre momentos alegres y oscuros, ritmos ágiles y babosos, pero mantiene una coherencia lógica con la percusión y el estilo de canto definido. Hay canciones que me hacen saltar de euforia y golpear lo que tenga cerca como "Obanlaese", "Africa", "No Vayas a la Rumba". Este tipo de temas, logran que la distancia entre Cuba y África del oeste se limite a metros. Luego se disfrutan las híper pegajosas "Malambo", "A Bailar Oriza", "Nueva Oriza". Un discazo, sólido de principio a fin, sin rellenos. (A propósito, en este rip, que encontramos en el genial blog canuco7.blogspot.com, falta el tema 6 (La tumba soy yo), si alguien lo tiene que lo haga aparecer)
Me hubiera gustado encontrar más información sobre su relación personal con Mongo Santamaría, porque no sólo viajaron juntos hacia Méjico, sino que grabaron un LP ( Hoy conocido como "Mongo and His Afro-Cuban Beaters" registrado en La Habana/ Nueva York entre 1952 y 55). Silvestre sería el protagonista, al haber cantado y compuesto la mitad del repertorio. Pero el sello Tico, que se encargaba de la edición del mismo, decide a último momento que Mongo pase a ser el intérprete principal. De todas maneras, la línea folklórica (canciones religiosas lucumí, guaguancós, columbias, rumbas, etc.) del álbum poco cambió a pesar de esta extraña resolución. (Disponible en este gran blog. Alto disco, digno de otro post....)

Fuentes: Latin Beat Mag 1997, SACM / Texto "Mi Hermanito" por Marcos Salazar Gutiérrez/ www.descarga.com / larumbanoescomoayer.blogspot.com / La Rumba en Wikipedia / Kiko Mendive en Venciclopedia / La discografía de SEECO


A Gozar!

sábado, 29 de mayo de 2010

MONGO SANTAMARÍA- AFRO ROOTS (1972)



Hay una escena en el western cómico Blazing Saddles (link min. 1:30), dirigida por Mel Brooks en 1974, en la cual un hombre previene la llegada del personaje más brutal y temido del pueblo, simplemente gritando su nombre "MONGO...... SANTAMARÍA!!". La advertencia es suficiente para vaciar las calles del pueblo en tiempo récord. Este es el tipo de respeto que impondría el verdadero "Mongo" Santamaría (no en términos de miedo sino en términos de admiración) si aún estuviera vivo.

Maestro de la conga y de todo elemento percutivo que se la haya cruzado por delante, Ramón Santamaría (Barrio Jesús María, La Habana, 1917) se acerca a la música, siguiendo el consejo de su madre de tocar el violín, aunque pronto deja todo tipo de estudios para convertirse en percusionista profesional.
A mediados de la década del cuarenta, es invitado como bongosero en la segunda orquesta del maestro cubano Arsenio Rodríguez (nombrado aquí), en la cual Candido Camero es el director y tresero. Poco tiempo después, mientras trabaja en una obra de teatro llamada "Congo Pantera" dirigida por un coreógrafo ruso instalado en Cuba, conoce a Chano Pozo , con quien hace una profunda amistad. Este vínculo es primordial en la carrera del Mongo, Chano Pozo lo va a ayudar en su carrera (Como mencionamos anteriormente, Pozo es el percusionista que abre las puertas al resto de sus colegas afrocubanos y latinos en los Estados Unidos )

En 1948 viaja a la Ciudad de Méjico con una compañía de baile con la esperanza de dedicarse exclusivamente a la música . Ese mismo año emigra hacia Nueva York con su compañero Armando Peraza (que luego sería percusionista de Santana). Mongo advierte las infinitas posiblidades artísticas y económicas que le ofrece la ciudad y trabaja con Machito, con Miguelito Valdés, con Chano Pozo. Pero es con el rey del mambo, Dámaso Pérez Prado, que logra su primer éxito artístico: Gira como bongosero con su comparsa por todo el país, tocando el género que hacía mover la caderas blancas. Durante este viaje, le ocurre una tragedia que casi termina con su carrera. El ómnibus que llevaba a todo el elenco - músicos, bailarinas, etc - se estrella contra la entrada de una puente en Texas. El accidente resultó fatal para Mongo, que recibió múltiples fracutras en la cadera y las piernas, y tuvo que ser internado para una operación de urgencia. La historia cuenta que un compañero boricua y bilingüe lo salvó de las garras de un cirujano racista, que confundiéndole con un "nigger" local, quería amputarle la pierna como se solía hacer con los morenos en este tipo de situaciones, y así simplificar su trabajo. Hasta el día de su muerte tuvo que recibir especial atención por esas heridas.

Una vez recuperado del accidente, se une a la orquesta de Tito Puente, con la que graba desde el 1952 al 57, y concibe sus primeros discos, en los cuales la música de procedencia afrocubana es el norte de sus composiciones. Es también en esta época que conoce a Cal Tjader y Willi Bobo y grabando para el sello Fantasy forman el "quintento de Cal Tjader" . Con la inspiración de sus colegas alrededor, Mongo crea su compisición más significativa, que se ha vuelto un estándar del Jazz, la nostálgica, intrigante y dinámica "Afro-Blue", re interpetada por John Coltrane, Dizzy Gillespie, Max Roach entre otros.
Este es el período más prolífico de Mongo como artista. Siendo el percusionista un elemento decisivo en el quintento de Tjader, Santamaría convenció a los directores de Fantasy para producir dos discos de música folklórica afrocubana (Incluídos en este post) "Mongo" de 1958 y "Yambú", de 1959 . Luego del éxito de ambos LPs, el sello le subvenciona un viaje a la Habana con su amigo Willi Bobo, donde graba dos discos más, una gema inencontrable del folklore cubano "Mongo in Havana: Bembé" y un disco más convencional "Nuestro Hombre en la Habana", ambos de 1960.

A su vuelta en E.E.U.U., Mongo abandona a Cal Tjader y luego de tres nuevos álbumes sin mucho éxito comercial -que reúne sin embargo excelentes músicos latinos-, cae en un pozo de incertidumbre como los músicos cubanos de la época. En 1962, las relaciones entre Cuba y los Estados Unidos eran complejas y la campaña feroz norteamericana contra el gobierno caribeño dificultaba la comercialización de la música cubana. Mongo decide retraerse a los pequeños bares latinos de Nueva York. Pero, en contra de todos los pronósticos, el percusionista logra introducirse al mercado popular gracias a una casualidad: La banda de Mongo Santamaría tocaba en un bar del Bronx y causa de la mínima concurrencia esa noche, decidieron hacer una sesión de improvisación. Comenzó el pianista, un joven llamado Herbie Hancock (que sustituía en esa fecha al pianista regular de Mongo, Armando "Chick" Corea), tocando su nueva composición, "Watermelon Man". Los músicos se fueron uniendo gradualmente y la motivación fue tal que la canción se volvio parte del repertorio de Mongo. Unos meses más tarde, un productor la escuchó en otro bar, y arrastró a la banda hacia el estudio más próximo para regristrarla. "Watermelon Man" se vuelve velozmente top ten en las bateas pop de 1963. Luego de este éxito, Santamaría repite la fórmula durante el resto de los sesenta grabando una serie de LPs que mezclan el soul y el blues estrictamente estadounidense con el prominente sonido de su conga.

La carrera de Mongo se considera "bicéfala": una vertiente de su música que mantiene viva las costumbres y los ritmos tradicionales de su país, mientras que la otra muestra el desarrollo de un sonido más moderno, con influencias directas del jazz.
En la década del setenta Santamaría expone su veta más jazzística, con la cual obtiene más popularidad que nunca. Vuelve a compartir escenario y sesiones de estudio con Tito Puente, Cal Tjader, Armando Peraza. También lo contratan para tocar con los Fania All Stars, grabando en vivo un duelo histórico con Ray Barretto llamado "Congo Bongo".
Mongo muere en el 2003 en Miami Florida, a causa de un ataque cardíaco. Dejó más de cuarenta títulos en su espalda, tanto como solista como en agrupaciones.

El post de hoy trae una compilación que sacó el sello Prestige en el año 1972 (PR 24018) y recopila los álbumes "Yambú" (Fantasy, mayo 1959) y "Mongo" (Fantasy, deciembre 1958).
El LP es una clase maestra de música afro-cubana, que incluye guagancó, columbias, yambus, géneros que forman parte de la rumba, el ritmo profano por excelencia afro cubano que data de la época colonial. De "los tiempos' e España", como canta Santamaría y su grupo en la canción "Yambu".
Lleno de misterio y de riqueza folklórica, de meditación y de descarga, de hiponotismo y religión, cuenta con un All Stars de músicos latinos radicados en E.E.U.U. y de estadounidenses vinculados a la música latina, como los ya nombrados Armando Peraza, Cal Tjader, Willi Bobo, Vince Guaraldi, el enigmático Emil Richards, entre otros.
Incluye el estándar "Afro Blue" y se destacan la rumba merengueada de "Che-que-re-que-che-que" (con la voz de Armando Peraza); el himno melancólico del rumbero "Meta Rumba"; la canción más triste que escuché en mucho tiempo, una canción dedicada a su amigo "Chano Pozo" (post anterior de El Milagro); las descargas ASESINAS "Mazacote" y "Timbales y Bongó"; la armónica y crepuscular "Macunsere" (solos de Francisco Aguabella).

Personal para Yambú (tracks 1 a 12)
Mongo Santamaría- Congas, bongos, percusión
Willi Bobo- Timbales
Francisco Aguabella- Congas, percusión
Modesto Durán- Congas, percusión
Carlos Vidal- Congas, percusión
Armando Peraza- Congas, bongos, percusión
José Gamboa- Vocales, tres, percusión
Juan Cheda- Vocales, percusión
Jerry Rivera- Vocales, percusión
Al McKibbon- Bajo
Emil Richards- Vibráfono
Paul Horn- Flute
En Mazacote: Cal Tjader- Vibráfono, Vince Guaraldi- Piano, Jose "Chombo" Silva- Saxo Tenor

Personal para Mongo (tracks 13 a 21)
Mongo Santamaría- Congas, bongos, percusión
Willi Bobo- Timbales
Pablo Mozo- Cencerro, palitos, triángulo, percusión
Carlos Vidal- Congas, percusión
Francisco Aguabella- Congas, percusión
Modesto Durán- Congas, percusión
Al McKibbon- Bajo
Israel Del Pino- Vocales
Mercedes Hernandez- Vocales

Se sube versión en mp3 de 192 kbps
A gozar esta gema espiritual!

(Como es habitual, los datos biográficos fueron reformulados de información que se encuentra en Wikipedia, Allmusic, pero la información más completa sobre Mongo Santamaría se puede encontrar acá)



sábado, 15 de mayo de 2010

CHANO POZO con DIZZY GILLESPIE & HIS ORCHESTRA 1948 - THE REAL BIRTH OF CU-BOP


Luciano Pozo Gonzalez nace en Cuba en 1915, vive humildemente, aprehendiendo todo lo religioso y musical de los "Ñañigos", cofradía esotérica, exclusiva para hombres proveniente de la región del Calabar, actual Nigeria; que llega por primera vez al Puerto de Regla en 1836. Chano significa "elegante". 

Aunque Chano no poseía estudios de música, tenía la habilidad de componer; siempre andaba tarareando estribillos que inventaba, como “Blen, blen, blen"; tema que lo hizo famoso con la banda del Casino De La Playa. Miguelito Valdés también conocido como Mr. Babalú, que era su amigo y vocalista del Casino De La Playa, lo lleva a lo de Anselmo Sacasas, pianista y arreglista de la orquesta para que hiciera partituras de lo que Chano cantaba. Así comenzaron a aparecer los primeras canciones de Chano.






Pozo se hacía cada vez más famoso, por lo tanto forma su Conjunto Azul con el cual hace su primer concierto con seis congas; cosa que nunca se había visto. Siempre de a dos. En 1942 abandona la Orquesta de Machito, para integrar a los "Jack Cole Dancers" de Chicago. Al poco tiempo se tralada a Nueva York en donde Miguelito Valdés le advierte que algunas de sus composiciones de la época de Cuba se habían convertido en éxitos en el lugar. Chano se dirige a la oficina de Ernersto Roca, su manager, quién le negó lo que Chano reclamaba. Esto hizo que Chano le pidiera una rendición de cuentas que tampoco aceptó...
Chano destroza algunos artefactos, adornos de la oficina y se va. Roca le da entonces a Ramirez Santos, mano derecha y  guardaespaldas del mismo, un arma y la orden de no dejar entrar a Chano si este volvía a aparecer. Al otro día Pozo vuelve, intenta entrar a la oficina, tiene una pelea con el guardia y este al caer al piso le termina suministrando un par de balazos. Unos dicen que fue en la columna vertebral y otros en el estómago. Estos abusos de propiedad intelectual eran frecuentes en la época. Los estadounidenses iban a buscar partituras a Cuba y las tocaban sin el permiso del autor. 

Meses después Dizzy Gillespie, mientras organizaba una presentación para una Big Band que se realizaría en setiembre en el Carnegie Hall conoce a Chano Pozo, por intermedio de Mario Bauzá. Esa misma noche que lo conoce lo ve actuar en "La Conga", un pequeño bar de Nueva York. Queda impresionado por el dominio de las  congas y lo contrata inmediatamente para estar en la presentación de setiembre, suplantando a "Chiquitico" otro percusionista cubano ex-integrante del Casino De La Playa que también fue integrado a la banda por Bauzá. Chiquitico, que según Gillespie, era bueno pero no colmaba sus espectativas, fue quién le preparó el oído a Gillespie para la llegada de Chano. Chano tuvo un tiempo de adaptación, dado que al principio no entendía del todo el 4/4 que tocaba Kenny Clarke (baterista que se tiene como uno de los padres del Be-Bop). Es en este concierto se interpreta por primera vez "Manteca", de la autoria de Chano, y también interpreta Cubana Be, Cubana Bop. Dcicho acontecimiento genera desenfreno en el público y la prensa. Se podría hablar del nacimiento del Cu-bop. Desde este entonces el Jazz sufrirá una ruptura irreparable que tiempo después se llamará Latin Jazz.
En 1948 Chano muere en manos de "Cabito", militar retirado, vendedor de quiniela y marihuana. Después de una disputa en la que Chano le reclama el dinero por un porro defectuoso, El Cabito le pega tres tiros en la puerta del bar "El Río" quitándole la facultad conguera que lo destacaba... 

Sube al Milagro joya histórica pá gozá!


01-EMANON (D.Gillespie-Milt Shaw)
02-COOL-YA-KOO (D.Gillespie-G.Fuller)
03-'ROUND ABOUT MIDNIGHT (T.Monk)
04-STAY ON IT (T.Dameron-C.Basie) 5_ GOOD BAIT (T.Dameron-C.Basie)
05-GOOD BAIT (T.Dameron-C.Basie)
06-ONE BASS HIT (R.Brown-G.Fuller-D.Gillespie)
07-MANTECA P.1 (C.Pozo-D.Gillespie-G.Fuller)
08-ONE BASS HIT (D.Gillespie-J.Lewis)
09-I SHOULD CARE (Weston-Cahn-Storthal)
10-GUARACHI GUARO (D.Gillespie-L.Pozo)
11-RELAXIN' AT CAMARILLO (C.Parker)
12-OO-POP-A-DA (D.Gillespie-J.Brown)
13-THE SQUIRREL (T.Dameron)
14-TABOO (M.Lecuona)
15-DIZZIER AND DIZZIER (G.Wilson-C.Basie)
16-MANTECA P.2 (C.Pozo-D.Gillespie-G.Fuller)

Personal:

Luciano "Chano" Pozo-conga y voz.
Dizzy Glllespie-trompeta y voz
Dave Burns, Willie Cook, Elmon Wright-trompetas
Jesse Tarrant, BiIl Pastor-trombones
Ernie Hcnry-saxo alto
John Brown-saxo Alto y voz
James Moody, Gayles LOE-saxos tenor
Cecil Payne-saxo barÌtono
James Foreman-piano
Nelson Boyd-bajo
Teddy Stewart-baterias

Escuchá!